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Quarante pièces pour votre quarantaine

Les Amours tragiques de Pyrame et Thisbé de Théophile de Viau

Théophile de Viau eut une vie tumultueuse. Protégé des grands puis exilé pour son athéisme, il fut emprisonné et condamné à être brûlé vif à cause de son libertinage prononcé. S’il parvint à s’enfuir et à échapper à sa sentence, il mourut jeune, à trente-six ans à peine. Son œuvre poétique fut la plus lue du XVIIeme siècle .

Théophile de Viau fut l’un des plus éminent de la littérature baroque française. Assez oublié de nos jours, il mérite d’être redécouvert.

L’histoire de Pyrame et Thisbé, raconté dans les Métamorphoses d’Ovide, avait déjà inspiré, quelques années avant Théophile de Viau, William Shakespeare pour son Roméo et Juliette.

Une histoire de familles ennemies, d’amour impossible, de suicides feints puis accomplis… Tout cela nous est connu mais Théophile de Viau parvient à insuffler une énergie particulière, pleine de violence et d’enthousiasme.

Si les Amours tragiques de Pyrame est Thisbé sont en cinq actes et en alexandrins, la pièce ne respecte aucune unité de lieu ni règle de bienséance. Sa liberté de ton en fait un objet tout à fait original et revigorant, un témoignage vivant de ce qu’à pu être le souffle baroque.

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L’Été des mangeurs d’étoiles, de Françoise du Chaxel

Avec L’Été des mangeurs d’étoiles, Françoise du Chaxel, nous replonge dans nos étés d’adolescents insouciants. Chaque année, un groupe de lycéens, se retrouve dans le sud, au cœur d’un petit village, entouré par les vignes, près de la mer. Un rendez-vous attendu avec impatience pour ces amis de longue date, ces jeunes êtres, emplis d’amour et de révolte. Cet été, deux nouveaux arrivants, turcs, Selma et son frère Nedim, troubleront les habitudes de ces mangeurs d’étoiles.

Entre histoires d’amour, amitié, séduction et mensonge, les personnages se confrontent à leurs souvenirs, leurs espérances et leur solitude profonde. En souffrance, le cœur lourd, leurs moments de confessions intimes sont marqués par une symbiose avec la nature et les sensations. Ils tentent d’expulser leur colère, de sortir du silence. Des images de corps surgissent, des yeux impatients, se cherchent du regard. Cette pièce de théâtre regorge d’instants poétiques et suspendus, qui nous rappellent des fragments de discours intérieurs des Vagues, de Virginia Woolf.

L’écriture de Françoise du Chaxel est douce, mélancolique et presque cinématographique. Elle arrête le temps, rassemble et divise. Les scènes se dessinent, les plans se resserrent et des images surgissent, au grès du vent et du ciel criblé d’étoiles.

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Ondine de Jean Giraudoux

Diplomate de carrière, Jean Giraudoux a marqué le théâtre français de la première partie du XXe siècle par la force et la simplicité de ses formules poétiques. Si sa passion pour l’Allemagne s’est illustrée dans Siegfried et son goût pour le mythe a permis sa très belle Electre, ces deux penchants se sont réunis dans la merveilleuse Ondine.

Ondine a été créée en 1939 dans une mise en scène de Louis Jouvet. Inspirée d’un conte issu du folklore allemand, la pièce raconte les amours tumultueuses d’un chevalier et d’une nymphe des eaux. Créature extra-humaine Ondine doit renoncer à sa nature surnaturelle pour vivre sa passion alors qu’autour d’elle toute la cour de son père, le roi des Ondins, s’acharne à la retenir.

Cette allégorie de l’impossibilité de l’union amoureuse parfaite allie avec justesse la légèreté d’une fable et la gravité d’une tragédie classique. Le charme puissant du rôle-titre a d’ailleurs permis à certaines actrice de la trempe d’Isabelle Adjani de se révéler pleinement.

Si la poésie du théâtre de Jean Giraudoux doit être redécouverte c’est sans doute Ondine qui en nous ouvre la voie la plus évidente.

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Tableau d’une exécution d’Howard Barker

Howard Barker a forgé le « théâtre de la catastrophe ». Il s’agit d’un théâtre violent et cruel où les questionnements éthiques et esthétique se trouvent fortement liés. Howard Barker est né en 1946 en Angleterre. Avec Edward Bond et Harold Pinter, il fut l’une des voix les plus puissantes et les plus transgressives sur la scène britannique, dans la deuxième partie du XXe siècle.

Tableau d’une exécution est une pièce très représentative de l’œuvre d’Howard Barker par les thèmes abordés et la construction dramatique.

A la fin de la Renaissance, dans la République de Venise, une toile est commandée à la grande artiste peintre Galactia : il s’agit de célébrer la bataille de Lépante, remportée un peu plus tôt sur les Ottomans. Galactia accepte. Elle veut profiter de cette commande pour montrer la guerre telle qu’elle est et inventer une nouvelle couleur : le « rouge qui pue ». Elle se heurte bien évidemment aux officiels de Venise, opposés à une représentation aussi crue de la réalité.

Tableau d’une exécution offre non seulement une réflexion approfondie sur les rapports de l’art du pouvoir mais présente également un véritable manifeste esthétique. C’est tout le théâtre de la catastrophe qui est en germe ici, avec tout ce qu’il a de révolutionnaire et de brutal.

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Mongol, de Karin Serres

Mongol, de Karin Serres est d’abord un roman, que l’autrice a ensuite adapté en pièce chez L’ École des Loisirs, pour le Théâtre du Rivage.

Cette pièce de théâtre jeune public est un bel hymne contre l’intolérance. Avec audace, humour et dureté, Karin Serres nous décrit le portrait d’un petit garçon attachant et débordant d’imagination. Ludo est considéré comme différent, car son apprentissage est plus lent que celui de ses camarades de classe. Crétin, simplet et débile, sont des insultes qui constituent son quotidien. Un jour, Fabrice, son inlassable bourreau, le traite de mongol, un mot dont il ne connait pas la signification. De retour chez lui, il s’empresse de chercher la définition dans le dictionnaire. Les injures s’effaceront alors, au profit de la découverte de l’Empire mongol, fondé par Gengis Khan en 1206. Ludo laissera son imagination galoper parmi les steppes et les vastes territoires de la Horde.

Sa plongée dans l’univers des Mongols, donne lieu à une véritable métamorphose. L’idiot de service se met à lire. Il apprend de nouveaux mots, change ses habitudes alimentaires, se découvre de nouvelles passions. Grâce à ces héros mongols auxquels il s’identifie, Ludo reprend confiance en lui. Audacieux et rêveur, il décide de se battre, pour montrer aux autres, que lui aussi sait faire preuve de courage. Un véritable progrès opère chez ce petit garçon rejeté, devenu un farouche guerrier.

À travers ce texte attendrissant, Karin Serres met l’accent sur la recherche de l’identité, propre à l’enfant. Avec douceur et créativité, elle l’invite à prendre de l’assurance et à oser se défaire des aprioris, pour s’extraire des cases.

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Nathan le Sage de Lessing

Gotthold Ephraïm Lessing était un homme des Lumières dont les théories esthétiques marquèrent durablement l’histoire de l’art. En Allemagne, au milieu du XVIIIe siècle, il n’a cessé de défendre l’émancipation et la réconciliation du genre humain. Sa pièce Nathan le Sage est sans doute le plus saisissant témoignage de sa pensée.

Nous sommes à Jérusalem, à la fin du XIIe siècle. Le sultan Saladin tente de réconcilier les juifs, les chrétiens et les musulmans, éprouvés par la troisième croisade. Seuls les Templiers demeurent l’objet de sa colère et de sa vengeance. Un marchand juif, Nathan, apprenant que sa fille a été sauvée par un de ces Templier, devra plaider auprès du sultan pour une clémence universelle.

Pour convaincre Saladin, Nathan utilisera une image qui sera considérée comme fondamentale dans la philosophie des Lumières: la parabole de l’anneau, destinée à illustrer la parenté des trois religions monothéistes et la fraternité humaine.

Écrite donc au XVIIIe siècle, se déroulant au XIIe, Nathan le Sage pourrait bien parler de notre temps.

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Le Théâtre de l’amante anglaise de Marguerite Duras

L’œuvre de Marguerite Duras est controversée. Bousculant les codes romanesques, cinématographique et bien sûr dramatiques, cette figure majeure de la littérature du XXème s’est attirée autant de contempteurs que d’admirateurs. Quelques fulgurances sont toutefois à même de réconcilier bien des lecteurs et bien des spectateurs en particulier dans le Théâtre de l’amante anglaise.

Ils sont trois: le mari, la femme, l’inspecteur. La femme a tué. L’inspecteur veut comprendre. L’accusée ne donne aucune explication et elle semble bien incapable d’en donner. L’inspecteur cherche auprès du mari, qui ne comprend pas, lui non plus.

« Claire Lannes a commis un crime, dit l’inspecteur. Elle ne donne aucune raison à ce crime. Alors je cherche pour elle. » Où chercher exactement, lorsque l’accusée juge que personne ne lui a jamais posé la bonne question ? Peut-être faut-il se pencher sur la victime. Elle était sourde et muette. Elle n’avait donc aucun rapport au langage. Ne serait-ce pas ici, précisément, la raison de sa mort ?

Dans cette pièce inspirée d’un fait divers, Marguerite Duras développe avec brio l’un de ses thèmes favoris: les rapports du langage à la vérité.

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By Heart, de Tiago Rodrigues

Tiago Rodrigues est auteur, metteur en scène et directeur du Théâtre national de Lisbonne. Dans By Heart, édité chez Les Solitaires Intempestifs, il nous raconte l’histoire de sa grand-mère. Une vieille femme, qui sentant la cécité arriver, lui demande de choisir un livre, qu’elle pourrait apprendre par cœur. Un livre qu’elle pourrait lire mentalement, quand ses yeux lui manqueront.

Tiago Rodrigues convoque alors sur scène dix spectateurs, auxquels il lance le défi d’apprendre par cœur, le sublime texte qu’il a choisi : le sonnet n° 30 de Shakespeare.

Expérience participative, dans laquelle les spectateurs deviennent passeurs, la mémoire est au centre de cette pièce. La mémoire de ce qui touche. La mémoire de la beauté et de la puissance des vers. Tiago Rodrigues est un amoureux des textes. À travers cette pièce, il rend hommage à ses racines et à la Littérature. Il cite des extraits de Georges Steiner, de la Bible, de Ray Bradbury. Des pans de textes qui l’accompagnent au quotidien et qui apparaissent comme des actes de résistance contre l’oubli.

À travers ce texte, Tiago Rodrigues signe une sorte de profession de foi, une ode à la transmission par le biais de la mémoire et de la parole. By Heart, nous rappelle, avec beauté et simplicité, la nécessité d’être ensemble, tout en meublant et en décorant notre intérieur. Car personne ne peut altérer ce qui se trouve en nous.

« Quand je fais comparoir les images passées

Au tribunal muet de songes recueillis

Je soupire au défaut des défuntes pensées

Pleurent de nouveaux pleurs les jours trop tôt cueillis

Des larmes oublieux, mon œil alors se noie

Pour les amis celés dans la nuit de la mort

Rouvre le deuil de l’amour morte s’apitoie

Au réveil sépulcral des intimes remords

Je souffre au dur retour des tortures souffertes

Je compte d’un doigt las, de douleur en douleur

Le total accablant des blessures rouvertes

Et j’acquitte à nouveau ma dette de malheur

Mais alors, si mon âme, Ami, vers toi se lève

Tout mon or se retrouve et tout mon deuil s’achève »

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Les deux timides d’Eugène Labiche

Labiche fut certes un auteur prolifique (presque 180 pièces à son actif) mais surtout très bien entouré. Ses co-auteurs s’élevèrent en effet au nombre de 46 !

Le vaudeville, avec lui, a pris ses lettres de noblesse. Né en 1815, mort en 1888, il fut un observateur scrupuleux de la petite bourgeoisie.

Son sens de la comédie, sa manière de traquer les travers humains, ses répliques cinglantes en font un dramaturge toujours fort agréable à lire et à jouer.

Les deux timides met en scène Thibaudier, bon bourgeois dont la timidité pathologique cause bien du tracas. N’osant refus la main de sa fille Cécile au très loquace Garadoux, il se trouve dépourvu lorsque cette même fille lui annonce qu’elle a jeté son dévolu sur un autre homme, lui aussi extraordinairement timide. Cécile constatant l’inertie de son père et son bien-aimé va décider de reprendre la situation en main.

Cette peinture de caractère est rythmée, vive, joyeuse. On trouve là tout le génie de Labiche, perspicace et léger.

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Hilda de Marie NDiaye

Romancière et dramaturge incontournable, Marie NDiaye a remporté le prix Fémina en 2001 et le prix Goncourt en 2009.

Maîtres et valets. Cette relation a été explorée par de nombreux dramaturges, de Plaute à Marivaux, en passant par Ben Johnson et Molière. Cette relation est riche, paradoxale, souvent malsaine, parfois cruelle. La pièce de Marie NDiaye se passe à une époque où l’égalité des êtres est érigée en principe fondamental. Notre époque.

Mme Lemarchand cherche quelqu’un qui pourra s’occuper de son ménage, de ses enfants et qui pourra lui tenir compagnie. Elle croit avoir trouvé la perle rare en la personne d’Hilda. Mme Lemarchand est pleine de bonnes intentions. Elle ne souhaite pas exploiter Hilda. Elle veut la façonner, la modeler, en faire une femme éclairée, consciente du monde qui l’entoure. Un mécanisme infernal se met alors en place. Petit à petit et presque malgré elle, Mme Lemarchand n’aura plus qu’une ambition: assujettir Hilda.

Cette fable sur la domination et la bonne conscience peut être dérangeante. C’est bien un signe qu’elle nous concerne tous.