Le blog de la Librairie Théâtrale

Dea Loher est une des grandes voix du théâtre allemand contemporain. Après des études de philosophie et de littérature, elle a étudié la dramaturgie à l’école supérieure des Beaux-Arts de Berlin. D’importants succès critiques ont accompagné ses premières pièces (l’une d’elle ayant reçu le prix du Goethe Institut). D’illustres metteurs en scène, tels que Kristian Lupa, s’intéressent de près à son travail.

En 2015, la Comédie Française programme Innocence et fait de Dea Loher la première dramaturge allemande à entrer à son répertoire de son vivant.

Claire, la trentaine, mène une quête existentielle. Elle se cherche, se mesure, s’évade. Elle est lassée de son milieu bourgeois mais peine à s’en détacher. Ses relations ne semblent pas comprendre ses doutes. Ceux qu’elle fréquente se complaisent dans les normes sociales. Cela jusqu’à une prise de conscience qui fera tout basculer

Portrait incisif de la bourgeoisie urbaine d’aujourd’hui, Les Relations de Claire se distingue par sa drôlerie et son potentiel subversif. Dea Loher sait croquer avec talents ses contemporains mettre à jour leurs angoisse et traquer leurs contradictions.

On est forcément amusé et touché par le miroir de nous-même qui nous est ici tendu.

Avec Eschyle et Sophocle, Euripide est un des pères de la tragédie. Dans l’Athènes du Ve siècle avant notre ère, tous trois ont initié le grand élan qui a fait naître le théâtre en Occident.

Le théâtre d’Euripide est un théâtre sensible. Si l’humanité est dévoilée dans toute sa noirceur et sa complexité, c’est l’empathie qui règne à chaque scène.

Le vent ne souffle pas et les Grecs ne peuvent partir combattre les Troyens. Agammemnon, leur roi, sait ce qu’il faut faire: sacrifier sa fille pour s’attirer la clémence des dieux. Agamemnon connaît son devoir mais ses sentiments paternels le retiennent. Pressé de toute part, effrayé par son propre pouvoir, plein de colère, de chagrin et de pitié, il se consume et tente de dissimuler ses hésitations. Sa femme et sa fille sont en chemin. Il ne pourra pas leur cacher longtemps ce qu’on lui demande d’accomplir.

Avec un très grand sens de la nuance, Euripide sait parfaitement rendre la douleur, l’affliction, la résignation. Les émotions des personnages sont relevées par la sobriété de l’action. Rien de trop, ici. Une pièce simple, touchante et vertigineuse.

Dans la pièce Quand j’aurai mille et un ans, Nathalie Papin s’intéresse à un sujet d’actualité : le transhumanisme. En travaillant autour de la question des âges et en mêlant le réel et l’imaginaire, elle mène une réflexion tendre et significative.

Cendi est une enfant de onze ans qui, comme les idoles qu’elle s’est inventées, rêve d’atteindre cent-dix-sept ans. Fuyant son pays, elle échoue dans une station sous-marine du futur. À son réveil, elle est entourée de Furoufushi, une vielle muette de cent-vingt-cinq ans et de Mili, un enfant qui aura bientôt mille ans. Mili est un petit garçon immortel, un humain augmenté qui essaye de la convaincre de rester avec eux. Un jour tout disparaitra. Il n’y aura plus d’enfant, plus de descendance, plus de mort. L’ADN sera réécrit et les humains seront remplis de sang artificiel de vers marins. Mais Cendi n’adhère pas à son discours. Elle veut revoir le ciel, la chaleur, sa famille et s’entraine quotidiennement, pour augmenter son temps d’apnée et rejoindre la surface de la mer.

Dans ce laboratoire, plus de place pour l’émotion. Pourtant, lorsque les sentiments sont sincères, on perd le contrôle, les battements du cœur s’accélèrent et le programme de la machine déraille…

Nathalie Papin nous plonge au cœur d’une histoire de liens. Avec poésie, humour et tendresse, les personnages défendent deux positions. Cendi est attachée à ses souvenirs et à ses croyances. Quant à Mili, il n’a aucun regard sur le passé. Qui saura convaincre l’autre de rejoindre son monde ?

En quelques années, Léonore Confino s’est imposée comme une dramaturge majeure. Sa capacité à saisir la vérité des situations, à trouver l’équilibre parfait entre légèreté et gravité impressionne lecteurs et spectateurs.

Jouée au Théâtre du Petit Saint-Martin, sa pièce Les Beaux (publiée sous le titre Enfantillages aux éditions Actes Sud Papiers)a été l’une des plus intéressantes découvertes de la rentrée 2019.

Aux éditions de l’Oeil du Prince, après avoir traité du couple avec Ring, du travail avec Building, de la famille avec Les Uns sur les autres, Léonore Confino, avec sa justesse habituelle a abordé le thème de l’adolescence dans Parlons d’autres chose.

Neuf lycéens, huit filles et un garçon, inséparables. Ils forment un groupe, une communauté, une tribu. Ils ont leurs règles, leurs lois, leurs rituels. Une société dans la société où chacun peut se sentir libre jusqu’au surgissement de la violence.

Léonore Confino prête sa voix à une génération particulière pour parler de nous, de tous, de la façon dont nous fonctionnons, de nos tiraillements personnels et collectifs. Elle fait appel au mythe et donne une leçon magistrale d’anthropologie à travers des dialogues simples, à la fois crus et subtils.

C’est une grande pièce de théâtre, sans nul doute appelée à devenir une référence.

En donnant naissance à l’ingénieux hidalgo Don Quichotte de la Manche, Miguel de Cervantès a créé l’un des plus célèbres personnage de la littérature mondiale. La figure de cet aspirant chevalier pétri de récits épiques, a permis d’explorer les pouvoirs de l’illusion, des rêves et des certitudes.

Cervantès a connu la guerre, la captivité et l’esclavage. Ses expériences ont nourri une réflexion unique qu’il a choisi de développer dans ses récits et dans ses pièces de théâtre.

Numance parle d’une résistance : celle des espagnols face à l’armée romaine. Le général Scipion ordonne le siège de la ville de Numance. Il s’agit d’isoler les habitants, de la affamer, de les détruire. Dans la ville, on sait quelle va être l’issue de ce siège. On en connait déjà l’issue tragique. Qu’importe : il faut se battre avec la dernière énergie.

C’est le thème de la fatalité qui court dans toute l’oeuvre. A travers de multiples figures allégoriques, Cervantès compose une ode magistrale à la vaillance et à la droiture. Cousue d’images saissantes, cette curiosité de la littérature baroque est comme un point de passage entre Shakespeare et Corneille.

Jojo au bord du monde, de Stéphane Jaubertie est un petit bijou de poésie et de drôlerie. À travers un langage décalé et des personnages attachants, l’auteur embellit la douleur de l’abandon, de la solitude et de la mort.

Jojo est un « solo boy », un petit garçon qui fait cavalier seul en attendant que la vie s’intéresse à lui. Un soir, dans une rue déserte, il rencontre Anita, une fée pas comme les autres, qui semble encore plus désespérée que lui. Jojo propose de lui rendre service pendant 24h, en veillant sur Jiliette sa mère qui perd la boule. Une forte amitié naitra entre ces deux énergumènes. Ensemble ils voyageront dans leurs têtes et dans leurs cœurs. Jojo affrontera toutes ses peurs pour retrouver Jiliette, que la maladie d’Alzheimer fait disparaitre peu à peu. Il se perdra dans la forêt de la Grande Peur et rencontrera les héros des contes, actualisés aux goûts du jour. Batman est dépressif, Blanche-Neige obèse et Cendrillon alcoolique. L’humour omniprésent, permet de noyer le désespoir de ces êtres, confrontés à une société toxique, dans laquelle ils perdent pieds.

À travers la fantaisie, l’amour et la solidarité, Stéphane Jaubertie aborde le besoin d’indépendance et le chemin vers la maturité. Il accompagne Jojo dans sa quête d’identité et l’aidera à entrer en lui-même pour mieux ouvrir son cœur.

Carole Fréchette connaît parfaitement tous les aspects de l’art dramatique. Originaire du Québec, elle est passée par le jeu, l’enseignement, l’organisation de festivals… Ses pièces sont aujourd’hui traduites dans une vingtaine de langues et sont jouées dans le monde entier.

De Jean et Béatrice aux Sept jours de Simon Labrosse en passant par la Peau d’Elisa et les Quatre morts de Marie, c’est toujours la vivacité du langage et l’inventivité des situations qui nous étonnent. Jamais Carole Fréchette n’oublie de distiller un humour subtil. C’est en particulier ce qui fait le charme de son théâtre.

Trois personnages : Madeleine, son voisin Jérémie et son élève Lin. Tous les trois sont seuls, à un point qu’ils ignorent encore. Un matin Madeleine apprend la libération de Yu Dongyue, emprisonné pendant 17 ans pour avoir lancé de la peinture sur le portrait de Mao. Elle se passionne pour son histoire. Elle sait que désormais tout va tourner autour de l’emprisonnement et de la délivrance de ce lointain opposant politique chinois.

Sa vie, celle de Jérémie et celle de Lin vont être vues sous un jour nouveau. Yu sera un horizon, le point de référence de leurs solitudes respectives.

Intelligente et sensible, cette pièce regorge de finesse et de traits d’esprit. La légèreté affleure aux endroits les plus graves, comme un signal d’espérance.

Le nom d’Edmond Rostand est inséparable de celui de Cyrano de Bergerac. L’histoire du poète gascon au grand nez est le classique des classiques, la pièce maîtresse du théâtre français, le drame romantique que Victor Hugo avait peut-être toute sa vie cherché à écrire.

Ce chef d’œuvre ne doit cependant pas éclipser les autres grandes pièces de Rostand où se confondent tant de mélancolie et d’éclat poétique.

Au tournant du XIXe et du XXe siècle, Edmond Rostand avait su comme personne user du vers pour y fixer les émotions les plus simples.

Lors de sa création en 1910, c’est peu de dire que Chantecler a surpris. Pintade, dindon, oies, poules… C’est toute une basse-cour qui était représentée. Le grand comédien Lucien Guitry était lui-même grimé en animal: il tenait le rôle titre de la pièce.

Chantecler est un coq persuadé que son chant fait chaque matin lever le soleil. Lorsqu’une poule faisane entre dans la basse-cour, il est si bouleversé d’amour qu’il en oublie de chanter. Le soleil se lève pourtant. Chantecler doit se remettre en question. Quelle est sa place dans le monde ? A quoi sert-il réellement ?

Dans cette pièce à la fantaisie débridée, Edmond Rostand explore les affres d’un cœur soucieux de connaître sa véritable valeur. Il insuffle à chaque scène une étrangeté poétique que vient rehausser la beauté de la langue.

Il faut lire Chantecler pour apercevoir quels trésors d’originalité renfermait encore l’esprit de ce génie des lettres.