Le blog de la Librairie Théâtrale

Journaliste, ancienne directrice de France Culture, Laure Adler est titulaire d’une maîtrise de philosophie et d’un doctorat d’histoire.

Chargée de mission à l’Elysée pour la culture sous la présidence de François Mitterrand, elle a été directrice des documentaires et des émissions culturelles sur France 2 et conseillère à la présidence de France Télévisions.

Soucieuse de rendre justice à place des femmes dans la formation des idées, elle a écrit de nombreux ouvrages biographique et historiques parmi lesquels une étude remarquée sur les premières journalistes, une autre sur la philosophe Hannah Arendt et une biographie de l’autrice Marguerite Duras pour laquelle elle a reçu le Prix Femina de l’essai.

Dans Tous les soirs, Laure Adler témoigne de son expérience de spectatrice. Elle expose le lien étrange qui la relie aux comédiens, aux texte, à la mise en scène. Elle ne pratique pas le théâtre mais elle le vit pleinement.

Le livre navigue entre témoignage et essai, sans tomber ni dans l’exhibition des sentiments, ni dans le didactisme. Il dresse un portrait personnel du théâtre contemporain en parlant de mystère, de silence et d’incarnation. Le fauteuil du spectateur devient un un endroit sacré où a lieu, tousles soirs une communion, réussie ou manquée.

Partant de son regard propre, Laure Adler parle de tous ceux pour qui le théâtre a existé, existe et existera.

Né en 1933 au Japon dans la ville de Kobê, Yoshi Oida s’est fait connaître dans son pays dès le début des années 50 en tant qu’acteur. Sa renommée dépasse rapidement les frontières si bien que Jean-Louis Barrault l’invite à se produire en France en 1968.

C’est sa collaboration avec Peter Brook qui est au centre de sa carrière artistique. En effet, entré au centre international de recherches théâtrales fondées par Brook, il apporte sa vision très structurée de l’art dramatique avec toutes les influences issues du théâtre japonais.

Au centre d’un dialogue essentiel entre différentes cultures, Yoshi Oida tire de ses expériences une série d’ouvrages, parmi lesquels l’Acteur invisible.

Deux principes sont au cœur de l’Acteur invisible : le mouvement et l’émotion. Quelles relations entretiennent-ils ? Comment les nourrir l’un et l’autre ? Pourquoi est-ce essentiel dans le travail dramatique ?

Yoshi Oiada est imprégné des enseignement de Zeami, le grand maître du théâtre du Nô. Il en retient ceci : l’art de l’acteur passe par une maîtrise absolue du corps. Il faut être attentif à toutes ses variations, le moindre souffle, le moindre battement de cœur. C’est par là que l’émotion sera délivré. Cette maîtrise passe par des exercices auxquels l’acteur doit s’astreindre pour espérer transmettre.

Les répétitions, le lien avec le public, le rythme d’une mise en scène… Tout est abordé avec une rigueur implacable, dans le rejet des approches psychologiques.

L’approche de Yoshi Oida est précieuse car elle nous permet de remettre en question nos habitudes et nos automatismes. De cette lecture, nos manières d’envisager l’art en général et le théâtre en particulier n’en sortiront que plus libres et plus éclairées.

S’il y a des monstres sacrés parmi les metteurs en scène, Peter Brook est de ceux-là. Né à Londres en 1925, il a travaillé travaille pour la Royal Shakespeare Company dès 1946 et en est devenu le directeur en 1962.

Sa théorie de l’espace vide donne toute sa place à l’art du comédien, à sa gestuelle, à son regard, à sa présence. S’inspirant de diverses traditions théâtrale à travers le monde, il pratique un théâtre direct, sans fard, simple et profond, allant toujours à l’essentiel.

En 1971, il s’installe au théâtre des Bouffes du Nord à Paris, théâtre qu’il dirige jusqu’en 2008 et où il continue régulièrement de se produire.

Le Diable c’est l’ennui a été écrit par Peter Brook à partir de rencontres organisées avec des étudiants. Ces étudiants lui posait la question de l’espace vide, de l’art du metteur en scène, de la place du spectateur. Peter Brook a alors parlé d’universel, de particulier et de ce danger qui menace toute création dramatique : l’ennui, qu’il faut savoir traquer, étouffer, extirper.

Toute la pensée de Peter Brook est là, condensée et expliquée. Cette ouverture au monde est une leçon. Peter Brook se montre toujours novateur et curieux, à l’affut de la moindre pratique, du moindre sentiment que pourra sublimer le théâtre.

« Tout le problème est de savoir s’il y a cette étincelle, cette petite flamme qui s’allume et qui donne une intensité à ce moment ramassé, ou pas. Car ramasser et condenser ne suffisent pas. On peut toujours réduire une pièce trop longue, trop bavarde, et cependant rester devant une chose ennuyeuse. Il est très étonnant de voir à quel point la forme théâtrale est exigeante parce que cette petite étincelle de vie doit être là, seconde après seconde. »

Difficile d’imaginer une carrière artistique plus féconde que celle de Louis Jouvet. Comédien, metteur en scène, directeur de théâtre, acteur de cinéma, il a, en tant que professeur au Conservatoire, profondément marqué l’enseignement dramatique.

Avec Charles Dullin, Georges Pitoeff et Gaston Baty, il a monté en 1927 le Cartel des quatre, une association de théâtre faisant découvrir des auteurs qui deviendront classiques, comme Jules Romains ou Jean Giraudoux.

Sa diction saccadée, son visage maigre et son regard perçant vont en faire un comédien réputé, passant des planches des théâtres aux plateaux d’un cinéma qui grâce à lui rentrera définitivement dans l’ère du parlant.

Pédagogue hors pair, Louis Jouvet s’est passionné pour la transmission des textes classiques et pour les conditions de leur interprétation. Le Comédien désincarné est le fruit ce cette passion, tout comme les Réflexions du comédien.

C’est un livre riche que les Réflexions du comédien. Il faut le voir comme un vaste panorama de la pensée de Jouvet. Tout y est abordé : les texte, le jeu, le rôle du théâtre, le métier de directeur… Cette plongée dans la pensée du maître est passionnante.

Le livre commence par des réflexions du sur le théâtre de Beaumarchais et celui de Hugo, ce qui est éternel en eux et la façon dont ils doivent se transmettre au public. Le chapitre suivant porte sur l’auteur Henri Becque. Il s’intitule « La disgrâce de Becque ». Il est des plus intéressants car il interroge le potentiel d’un texte de passer ou non à la postérité.

Jouvet parle de l’avenir du théâtre, de la sensibilité du public, de cette difficulté d’innover et de restituer, de cet équilibre constant qui doit être l’obsession du comédien, du metteur en scène ou du directeur de théâtre.

« Le commerce théâtral, malgré son caractère utilitaire est, à l’origine des temps, un sacerdoce qui prend sa source aux mobiles les plus nobles et les moins intéressés du cœur humain, mais il va au flanc de tout sacerdoce, si glorieux soit-il, une abominable plaie qui oblige le prêtre à vivre de l’autel, le soldat de son épée et l’avocat, comme le médecin, de ses clients. »

Quelles concessions alors faut-il faire ? Quelle intégrité peut-on garder ? Comment garantir notre indépendance et notre liberté ? Comment, enfin, faire survivre l’Art ? Ce sont ces questions-là qui sont au cœur des Réflexions du Comédien et chacun sait à quel point elles concernent le temps présent.

Professeur émérite de littérature latine à l’Université Paris-Diderot, Florence Dupont est une très grande connaisseuse de l’Antiquité. Latiniste et héléniste, elle a écrit sur Homère, Eschyle ou la théâtre à Rome.

Sa traduction du théâtre complet de Sénèque fait référence. On redécouvre avec elle un auteur tragique qui fait émerger une violence particulièrement saisissante.

Récemment est parue aux Belles lettres sa traduction des pièces de Plaute. Dans son introduction elle écrit que ces pièces-là forment « un théâtre musical dont nous n’avons conservé que la partie verbale et dont nous avons perdu la partie musicale« . Ce perte, valable tout le théâtre antique, est au cœur d’une réflexion menée en 2007 dans son essai Aristote ou le vampire du théâtre occidental.

Florence Dupont est formelle : en écrivant sa Poétique, Aristote a drastiquement réduit les possibilités du théâtre et lui a porté un mauvais coup. La réduction du théâtre au texte est, pour elle, une conséquence funeste des idées du philosophe qui aura tout entrepris les aspects rituels et musicaux de l’art dramatique.

Florence Dupont explique ainsi la mainmise des conception aristotélicienne chez les hommes de théâtre en Occident. Elle dresse un panorama étonnant où émergent quelques îlots de résistance comme Molière ou Goldoni. La paralysie de la créativité est vue comme une évidence.

Même des auteurs comme Brecht, qu’on pourrait estimer affranchis des conceptions les plus traditionnelles du théâtre ne sont pas épargné. La prépondérance du récit (même présenté comme une fable) comme est dénoncée avec vigueur.

C’est un pamphlet étonnant qu’Aristote ou le vampire du théâtre occidental. L’énergie combative avec laquelle Florence Dupont défend ses convictions peut paraître excessive et ses idées parfois outrancières. Son propos est pourtant d’une extrême importance car il nous permet de réfléchir au théâtre hors des voies déjà tracées : c’est une invitation à la liberté intellectuelle et artistique.