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Studio Muller

Le Studio Muller a pour but de former des acteurs professionnels de théâtre et de cinéma qui comprennent et maitrisent leur instrument à tous les niveaux. Notre approche de l’art dramatique et du travail du comédien se situe à la croisée des différentes méthodes et techniques de jeu, et cela autant pour le théâtre que pour le cinéma.

Votre instrument en tant qu’acteur, c’est vous-même : votre corps,  votre voix, vos paroles, vos émotions, votre imagination, vos pensées… Nous avons pour objectif de faire de vous des acteurs de théâtre et de cinéma qui comprennent et maîtrisent leur instrument à tous les niveaux, et cela par la pratique de matières artistiques variées et complémentaires : jeu face caméra, mime, clown, chant, danse, masque commedia dell arte, improvisation, technique Meisner, mémoire sensorielle et émotionnelle, acting in english…

Le Studio Muller n’appartient à aucune tradition théâtrale en particulier, et n’adhère à aucune approche, méthode ou système de jeu de manière spécifique ou dogmatique. Passionnés par la technique de l’acteur, notre approche du jeu se situe au contraire à la croisée des différentes méthodes, formes et esthétiques théâtrales.

La technique est au cœur du processus de jeu chez l’acteur. C’est elle qui doit vous intéresser car en tant qu’artiste vous êtes d’abord un artisan, un technicien. Dans sa pratique, le vrai professionnel n’a que faire de notions aussi vagues, floues et abstraites que : « Rentrer dans la peau du personnage », « Sentir en soi le rapport à l’autre » ou encore « Faire circuler l’énergie du plateau à la salle ». La terminologie pseudo magique n’a rien à faire dans une formation professionnelle d’acteurs sérieuse. Notre cours d’art dramatique articule donc son travail autour de quatre mots : concret, simple, efficace et individualisé.

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Cours Cochet Delavène

Historique

En 1966, Jean-Laurent Cochet ouvre un cours d’Art Dramatique : le Cours Cochet. Dès les premières promotions sortent des comédiens qui deviendront rapidement les vedettes du théâtre et du cinéma. Gérard Depardieu, Richard Berry, Isabelle Huppert, Daniel Auteuil, Carole Bouquet, Fabrice Luchini…

En 2003, Jean-Laurent Cochet nomme Pierre Delavène professeur puis il lui confie la Direction du Cours en 2006.

De nouvelles classes sont créées (matin, soir, samedi, régions, etc.) avec des professeurs formés par Jean-Laurent Cochet.
Ensemble, en 2013, ils renomment l’école de théâtre qui s’appelle désormais le Cours Cochet-Delavène.


Technique et sensibilité

La sensibilité étant liée à la technique, ainsi que dans tout autre discipline artistique, le Cours Cochet-Delavène est le seul cours d’art dramatique initiant à toute la technique indispensable au métier de comédien : note ouverte, préfinale, mouvement, réaccentuation, phrasé, inflexion.


Les fables de La Fontaine

L’enseignement du Cours Cochet-Delavène est basé sur l’apprentissage des fables et de la façon de les dire. Les fables étant enseignées depuis l’école primaire et de façon trop scolaire, Jean-Laurent Cochet a réinventé la manière de les dire. Notre travail sur les fables permet de cerner une situation et un sentiment donnés, d’appréhender la technique textuelle, la manière de raconter une histoire, de déjouer, etc… qui servira pour aborder n’importe quel texte.


La scolarité

● 1ère année : Travail des fables, et du répertoire classique (prose et vers). Technique textuelle. Corporel.
● 2ème année : Scènes classiques et modernes. Classes d’ensemble. Scènes de cinéma. Parcours de rôle.
● 3ème année : Théâtre contemporain. Formation à la mise en scène. Préparation aux concours et casting.
Les spectacles :
● Soirée affable : Le cours organise une ou plusieurs soirées thématiques.
● Scène publique : En fin d’année, une sélection d’élèves est présentée devant des professionnels.
● Mise en scène : les élèves de 3ème année présentent un extrait de pièce qu’ils ont mis en scène.
● Tremplin : une sélection de spectacles participe à un Tremplin Jeunes Talents.

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École du Lucernaire

Situé en plein cœur de Paris, Le Lucernaire est un lieu pluridisciplinaire (théâtre, cinéma, librairie, bar, restaurant). Ouvert et accessible au public tout au long de la journée, c’est un véritable lieu de vie et de rencontres.

Après avoir dirigé le Théâtre Lucernaire de 2009 à 2015, Philippe Person crée l’École d’art dramatique du Lucernaire. A l’image de ce lieu, l’école de théâtre du Lucernaire est le lieu de tous les possibles. Tournée vers la recherche et la création, effervescente de rencontres avec des professionnels en activité et de différents horizons, cette école est un lieu singulier de formation à la fois aux techniques de l’art dramatique mais aussi aux réalités du métier d’acteur.

Le format atypique des classes (environ 20 élèves) permet d’optimiser les cours d’interprétation et de techniques de jeu, piliers de l’école. Il offre, dans le même temps, une préparation personnalisée aux concours. Tous les cours ont lieu dans les salles de théâtre.

LE CURSUS

L’École de théâtre Lucernaire forme en deux années des élèves comédiens recrutés suite à une audition. Une troisième année « spéciale » de formation, sera proposée sur sélection à une quinzaine d’élèves.

Suivre une formation au Lucernaire c’est apprendre le théâtre dans un vrai théâtre qui accueille chaque année une cinquantaine de compagnies professionnelles. Suivre une formation au Lucernaire, c’est aussi être déjà en contact avec les professionnels.

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Lavoir Moderne Parisien

Ancien lavoir de la fin du 19ème siècle, Le Lavoir Moderne Parisien est devenu un théâtre en 1986 et reste à ce jour l’unique théâtre du quartier de la Goutte d’Or.   Pendant plus de 30 ans, il a été un lieu de culture et de rencontres artistiques pluri-disciplinaires  avec une orientation fortement marquée vers les jeunes auteurs. Ses murs ont accueilli de nombreux talents tels Joël Pommerat, Valère Novarina, Koffi Kwahulé, Hubert Koundé, Maïmouna Gueye, Mathieu Boogaerts, Abd Al Malik, Youssou N’Dour, Alain Mabanckou, Les têtes raides…   Le Lavoir Moderne Parisien est un lieu dédié à la création contemporaine résolument ancré sur son quartier. Son pari est de faire confiance aux jeunes compagnies, de promouvoir et de produire des formes et des écritures nouvelles.

Par une programmation exigeante, ouverte et pluridisciplinaire (théâtre, musique, danse, poésie, performances, arts numériques, nouvelles formes artistiques) et par une veille artistique constante, le Lavoir Moderne a à cœur de croiser les nouveaux regards qui interrogent la société actuelle, le rapport à l’autre et à l’étranger, et provoquons la rencontre de talents émergents avec d’autres plus expérimentés et reconnus.

Le désir d’accompagner les artistes qui rêvent le monde demain, de leur donner les outils et la résonance nécessaire pour aider le spectateur comme ils l’ont toujours fait, à habiter le monde, font du Lavoir Moderne Parisien un véritable tremplin pour les grand•e•s de demain, un lieu de création qui soutient la vitalité et l’innovation artistique au sein d’une salle atypique et inspirante.

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La Salle blanche

Fondée par Florient Azoulay, Xavier Gallais et Elisabeth Bouchaud, Directrice des théâtres La Reine Blanche Scène des Arts et des Sciences et Avignon-Reine Blanche, en collaboration avec la Compagnie KGA, La Salle Blanche est un nouveau lieu parisien de création et de formation pour celles et ceux qui veulent devenir acteur.

À l’opposé des écoles de théâtre privées traditionnelles, La Salle Blanche est un espace alternatif d’apprentissage et de créativité. Pendant deux ans, une troupe d’acteurs-chercheurs se lance dans l’aventure de l’élaboration collective d’un spectacle. Ce faisant, chacun traverse de manière approfondie les disciplines artistiques fondamentales et les domaines de connaissances indispensables à ce métier.

Une salle blanche est un laboratoire où les scientifiques entreprennent de se concentrer sur leurs recherches. Dans cette même perspective, La Salle Blanche propose une approche du travail d’interprétation théâtrale où l’audace de l’expérimentation va de pair avec la rigueur de l’analyse.

Un artiste exigeant est un artiste encore plus libre.

Un des points forts de l’entreprise pédagogique et artistique novatrice de La Salle Blanche est la conception d’une pièce. Des premières lectures, aux premières idées, jusqu’aux représentations au théâtre de La Reine Blanche, les acteurs-chercheurs auront vécu avec concentration et engagement toutes les étapes d’une création.
Ce processus long et complexe, est dirigé par Florient Azoulay et Xavier Gallais, et accompagné par des intervenants (artistes, scientifiques ou pédagogues).

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Conservatoire à rayonnement régional de Boulogne Billancourt

Repéré de longue date comme un établissement d’excellence, le Conservatoire à Rayonnement Régional (CRR) de Boulogne-Billancourt est l’une des figures de proue de l’enseignement musical, théâtral et chorégraphique en France. Les études au conservatoire se conforment aux directives des schémas pédagogiques du Ministère de la Culture. Il propose une formation complète depuis le début de l’apprentissage jusqu’à la formation pré-professionnelle.

Depuis 2021, le département théâtre du CRR de Boulogne Billancourt comprend un cursus unique qui a reçu l’agrément du Ministère de la Culture.

Le Cycle Préparatoire à l’Enseignement Supérieur (CPES) propose une formation à l’art du théâtre par le biais d’une pratique intensive du plateau et du jeu de l’acteur. Cette formation vise à accompagner l’élève dans sa préparation aux concours d’entrée dans l’enseignement supérieur (écoles en France et à l’étranger) mais aussi à permettre des rencontres qui favoriseront un éventuel début dans le monde professionnel.

Ce cursus est accessible sans pré-requis de diplôme antérieur. Il s’adresse à tout élève ayant suivi une formation d’art dramatique d’un an minimum.

Le CPES Théâtre au CRR de Boulogne-Billancourt a pour objectif l’acquisition de techniques solides mais également le développement de la culture des élèves et de leur réflexion personnelle sur la pratique de l’art théâtral dans la pluralité de ses répertoires. Cet enseignement accorde une place essentielle aux artistes qui font et renouvellent le théâtre d’aujourd’hui dans la diversité de leurs approches et de leurs esthétiques.

Ce cursus a également vocation à favoriser la dimension créative de chaque élève dans un souci permanent de lien et d’interaction avec la classe.

Il est possible mais non obligatoire de passer le Diplôme d’études théâtrales (DET) pendant son CPES (dans la limite des deux années maximums de formation).

Les horaires, qui nécessitent une grande disponibilité, de la rigueur et d’importants aménagements d’emploi du temps, rendent difficile la poursuite d’études en faculté, ou l’exercice d’une profession en parallèle.

Le CPES donne accès au statut étudiant : bourses du CROUS, logement social, aides spécifiques.

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Laboratoire de formation au Théâtre Physique – LFTP

Cette école a pour ambition d’être un déclencheur de création ; c’est un lieu en questionnement perpétuel où tout est à apprendre, tout est à construire, où l’élève est autant moteur qu’apprenti.
L’ambition de cette formation est d’emmener l’élève à découvrir sa singularité de créateur en passant par les multiples formes du spectacle vivant.

L’élève qui vient se former au LFTP vient avec une nécessité de théâtre.
C’est-à-dire qu’il vient pour y affûter ses outils, pour y engranger des connaissances, pour se questionner et se positionner face au monde. Être ici pour faire des choix. Au LFTP on ne peut pas être neutre.
Libérer la voix, le corps de l’acteur, lui rendre son mouvement propre, l’emmener vers une traversée sincère de ses émotions sont autant d’enjeux inscrits dans le cahier des charges de la formation.

Intégré dans un groupe de travail, porté par une dynamique commune de créativité et de passion, le LFTP se propose d’être une plateforme de rencontres, un laboratoire de recherches artistiques, sous le regard d’une équipe pédagogique composée par de nombreux professionnels en activité qui se questionnent eux aussi sur les enjeux du théâtre contemporain. Le LFTP s’intéresse aux processus plutôt que de s’attacher seulement aux résultats produits. La multiplicité des intervenants préserve l’élève d’une pensée unique et l’oblige à se construire en appréhendant plus justement son futur environnement de travail.

Au-delà d’un simple travail d’interprétation ou de mise en voix de textes dramatiques, l’élève aura toute la liberté possible pour chercher la matière de son théâtre en répondant à des commandes, à des projets collectifs, en cherchant avec l’équipe pédagogique son cheminement créatif.

Cette formation qui se déroule en deux ans permet à l’élève de se déployer dans la création autant que dans l’interprétation. La première année est faite pour inventorier ses outils, en découvrir d’autres et les mettre au service de commandes qui de semaine en semaine construisent l’acteur-créateur. La deuxième année est conçue en une succession de stages qui fera se rencontrer des metteurs en scène et les élèves pour construire “intégralement” des spectacles présentés en public au théâtre.
L’objectif étant ici d’apprendre et aussi de désapprendre, pour ne jamais rester sur des acquis, mais être toujours sur le qui-vive, dans l’énergie de ce qui se crée, de ce qui est à faire. L’acteur au LFTP n’est pas un acteur au repos ; c’est un acteur en vie, dans un désir permanent de Théâtre.

Le LFTP developpe depuis quelques année deux possibilité de formation transversale avec le dispositif ACT qui propose des stages de temps court et un programme de danse par le dispositif TENDANCE, plateforme incontournable de la jeune création chorégraphique ouverts sur des temps courts également.

Le lieu de travail du Laboratoire est aussi un théâtre qui accueille tout au long de l’année des compagnies émergentes, l’occasion pour les élèves de rencontrer des formes nouvelles, de forger son expérience de spectateur et d’échanger en direct avec les metteurs en scène et acteurs.

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Le Cours Peyran Lacroix

Le Cours Peyran Lacroix

est une école de formation d’acteur à Paris s’adressant aux comédiens débutants et professionnels.

Notre école de théâtre est un espace de liberté, de prise de risque, de création et de réalisation. Un lieu qui permet d’acquérir les outils indispensables pour être autonome et capable de s’exprimer librement.

Préservé de la pression et des contraintes professionnelles, nos cours de théâtre vous proposent d’apprendre à sortir des rails de « l’habitude », apprendre à faire avec l’incertitude, trouver son équilibre dans l’exploration de sa zone de confort.

Notre formation du comédien est dirigée par des professionnels du spectacle : comédiens, metteurs en scène, réalisateurs, auteurs, qui ont tous une longue expérience professionnelle et pédagogique.

L’école est un champ d’expression individuel et collectif.

Être acteur aujourd’hui,

c‘ est avant tout être capable d’anticiper les demandes d’un réalisateur / metteur en scène, ou d’y répondre dans une très grande réactivité.

Notre objectif est donc de préparer les futurs comédiens par la transmission d’outils précis, sélectionnés parmi les techniques de jeu les plus efficaces

Qu’ils soient le mieux préparés possible pour rencontrer les réalités de ce métier, et exprimer librement leurs énergies créatrices.

Nos valeurs ajoutées:

  • Une équipe pédagogique professionnelle reconnue et compétente.
  • Une complémentarité des divers modules proposés.
  • Chacun des maîtres d’ateliers exerce dans son domaine de compétence.
  • Un nombre d’élèves limité à une vingtaine dans chaque atelier.
  • Un suivi individuel des étudiants.
  • Rencontres régulières avec des professionnels du théâtre et du cinéma.
  • Une société de production de spectacle vivant dans la même structure.
  • Un outil de travail performant : le Théâtre de La Pépinière.
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La Manufacture de l’acteur

Manufacture (nom féminin, du latin manufactura, « fait à la main ») : Lieu de création dans lequel les « artisans » fabriquent et peaufinent leur art. Cette définition est l’essence de notre pédagogie. Notre école privilégie l’épanouissement de chaque élève en favorisant la créativité tant personnelle que collective. Nous considérons qu’il est essentiel d’acquérir une méthodologie pour aborder un rôle. Sous prétexte « d’interpréter un personnage », « de se fondre dans un rôle », l’acteur a tendance à oublier ce qui fait sa singularité. Il s’agit de (re)découvrir les possibilités d’expression propres à chacun dans un cadre de travail sérieux et bienveillant.

Nous mettons un point d’honneur à préparer au mieux nos élèves à la vie professionnelle et à l’après-école. C’est pour cela que très tôt nos élèves jouent dans des théâtres ou au festival OFF d’Avignon. C’est également pour cela que notre formation est axée au travail personnel afin que les élèves apprennent à travailler par eux-mêmes examens, atelier écriture, atelier mise en scène, atelier gestion de la carrière …). Tout au long de l’année, nous recevons de nombreuses offres de casting que nous relayons auprès de nos étudiants. Le réseau des anciens élèves est également un moyen de rejoindre des projets pendant ou au sortir de l’école.

Durant la période de formation, différents professeurs interviennent afin de sensibiliser les élèves à la variété des directions d’acteurs, des techniques de jeu et des esthétiques de mise en scène. Le principe est de ne pas formater le jeu de nos élèves comédiens mais de les accompagner pour qu’ils s’épanouissent et révèlent leur identité artistique.
Tous nos intervenants sont des professionnels en activité dans leur domaine comédiens, metteurs en scène, auteurs, clowns, improvisateurs …) et enseignent par passion de la transmission.

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Studio | ESCA Asnières sur Seine

© Miliana Bidault

Le CFA des Comédien.ne.s obtient, en septembre 2014, l’habilitation du Ministère de la Culture à délivrer le DNSPC (Diplôme National Supérieur Professionnel de Comédien) de niveau II (bac + 3), et devient École Supérieure de Comédien.ne.s par l’Alternance (ESCA).

Ainsi sont reconnues à la fois la qualité de la formation offerte et la spécificité de l’alternance (il s’agit du seul CFA de Comédien.ne.s en France). Le Studio | ESCA offre aux apprenti.e.s sélectionné.e.s une formation en alternance qui permet à la fois de continuer à se former et de rencontrer le milieu professionnel, tout en percevant une rémunération.

Le Studio | ESCA est domicilié à Asnières-sur-Seine.

Une formation approfondie

Les apprenti.e.s bénéficient d’une formation en alternance durant trois années. Les cours ont lieu principalement le matin à Asnières-sur-Seine.

Principes

La formation par l’alternance en art dramatique mise en place et développée par Le Studio | ESCA , École Supérieure de Comédien.ne.s par l’Alternance, est une idée pionnière. Elle valorise le rapport à la réalité du travail tout en préservant les espaces de création et de rêve pour les jeunes artistes qu’elle forme.

De ce fait, il s’agit d’un sas d’accompagnement vers la professionnalisation pour nos étudiant.e.s – apprenti.e.s (contrats, conventions, rapport aux auditions, aux producteur.rice.s, aux metteur.euse.s en scène, négociations de salaire et de conditions de travail…), tout en continuant à les nourrir artistiquement.

L’évaluation de l’apprenti.e se fait sous la forme d’un contrôle continu.

Faire

Le projet pédagogique prévoit dans la continuité de ces principes :

• La découverte et l’immersion dans l’écriture contemporaine, un cycle de lectures publiques prises en charge exclusivement par les étudiant.e.s apprenti.e.s.

• La valorisation et le développement de l’aptitude des apprenti.e.s à être porteur.euse de projets, à travers des Cartes Blanches.

• Une création professionnelle annuelle à vocation professionnalisante.