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10 pièces féministes

Depuis des siècles, les femmes se battent pour l’égalité et contre l’oppression. Si sur certains fronts comme le droit de vote et l’égalité d’accès à l’éducation, les combats ont été remportés, les femmes restent affectées de manière disproportionnée par toutes les formes de violence et par la discrimination dans toutes les sphères de la vie. 

Voici une sélection de 10 pièces de théâtre, qui chacune à leur manière, s’empare de ce sujet.

Ceci est mon corps, d’Agathe Charnet

À la frontière de la pop culture, de l’autofiction et de la sociologie du genre, Ceci est mon corps est une enquête menée pour relater l’histoire du corps d’une femme née dans les années 1990. Parcourir les désirs, les violences, les joies et les aspérités qui le traversent. Découvrir aussi ce qui surgit, à l’orée de la trentaine, quand ce corps devient un corps lesbien.

Les Femmes de Barbe-Bleue, de Juste avant la compagnie

Prix du jury et prix des lycéens du festival Impatience 2019.

Loin de l’image victimaire, faites place aux femmes de Barbe-bleue !

Dans le cabinet secret de Barbe-Bleue, il y a toutes les femmes qu’il a aimées puis assassinées. Elles nous racontent leurs histoires ; comment elles se sont fait séduire, comment elles ont été piégées. L’excitation, au début… Comment elles n’ont pas su s’enfuir. En rejouant leurs histoires, elles tentent de trouver des « fins alternatives », de s’entraider en vue d’une libération posthume.

La Visite suivi de Les Filles de nos filles, d’Anne Berest

Dans La Visite, seule face à ce public, qui n’est pas venu pour elle, elle se lance dans un monologue sans concessions, sans retenue, balayant de réflexions sur la maternité le mythe du parfait bonheur découlant du miracle !

Pièce éminemment féministe, Les Filles de nos filles pose la question du statut des femmes créatrices, de leur rôle dans l’évolution de l’art, de leur non-reconnaissance, spoliées qu’elles sont d’avoir inventé, d’avoir renouvelé, d’avoir créé.

Une Maison de Poupée, d’Henrik Ibsen

La pièce du Norvégien Henrik Ibsen a fait scandale quand l’Europe l’a découverte en 1879. A tel point qu’une actrice allemande avait exigé que l’auteur en réécrive la fin : Nora ne pouvait pas, selon elle, quitter sa « Maison de poupée », son mari et surtout ses enfants, pour apprendre à vivre par elle-même !

F(l)ammes, d’Ahmed Madani

Qui sont ces jeunes femmes des quartiers ? Nées de parents immigrés, elles sont seules expertes de leur réalité, de leur féminité. Point aveugle de l’histoire de l’immigration en France, les moins visibles des minorités visibles s’explorent et s’expriment.

Une Chienne, de Wajdi Mouawad

Wajdi Mouawad donne à la Phèdre d’Euripide un destin et une toute autre trajectoire. L’auteur compose une tragédie contemporaine portée par des personnages antiques, où les questions de sexualité, d’homosexualité, les droits des femmes et la lutte, toujours d’actualité, pour leur émancipation, font jour.

Guérillères ordinaires, de Magali Mougel

Ce recueil de trois textes dont la forme est celle du « poème dramatique » est centré sur la figure d’une femme à la fois enchâssée dans son quotidien et emblématique d’une condition.

Dans chacune des pièces, ces femmes sont amenées à prendre position face à ce qui leur est imposé et à réagir envers les autres et elle-même par une violence qui fait écho à celle subie.

L’Histoire d’une femme, de Pierre Notte

«  J’ai vu un homme à vélo, se rapprocher d’une passante, elle traversait la rue, il roulait, je l’ai vu ralentir, lui mettre une main aux fesses, et repartir en riant. La femme s’est effondrée, au milieu de la route qu’elle traversait. Je me suis approché, je voulais lui demander pardon au nom de toute l’humanité des hommes, elle m’a rejeté, parce qu’elle a vu en moi une autre menace, un autre danger masculin. Je suis parti, j’ai pleuré, j’ai voulu écrire l’histoire d’une femme qui n’en peut plus d’avoir à supporter une société d’hommes. » – Pierre Notte

La Violence des potiches et autres monologues féminins, de Marie Nimier

Elles parlent toutes de leur corps et parfois, du corps des autres, passants, clients, amants, fils, maris… Corps aimés, corps silencieux, immobiles, heureux, morts, attendris, étrangers, exultants. Epluchant des oignons, repassant des chemises, assis au volant d’un taxi ou sur un tabouret de bar…

Dissection d’une chute de neige, de Sara Stridsberg

Christine de Suède, une personnalité duale, impulsive et réfléchie, amant et amante, émancipée et tyrannique, qui refuse de se plier aux exigences du pouvoir dont elle hérite à l’âge de six ans, à la mort de son père. Passionnée d’arts et de philosophie, rétive aux injonctions de ses sinistres conseillers, elle questionne les représentations de la royauté et les attributs normatifs de la féminité

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Cours Jacques Ledran

Le Cours Jacques Ledran est une école de formation d’acteur à Paris s’adressant aux comédiennes  et comédiens débutants et professionnels.

La motivation et le travail sont les critères de sélection de nos élèves. Le métier de comédien s’apprend grâce à des techniques, de l’exigence et de la précision. Chaque élève est différent, c’est pourquoi nous proposons une formation sur-mesure ouverte à 16 participants maximum.

Notre école de théâtre est un espace de liberté et de bienveillance au service de la création théâtrale

Notre école est le lieu qui permet de comprendre et d’acquérir les outils indispensables pour vivre du métier de comédien dans un futur proche.

Notre formation du comédien est dirigée par Jacques Ledran, comédien, metteur en scène, directeur de sa propre compagnie depuis 18 ans… son expérience, son savoir et sa connaissance du milieu théâtral et cinématographique sont les principes fondateurs de notre cours.

Notre école est un lieu d’expression individuel et collectif qui allie technique et sensibilité

Le Cours Jacques Ledran est une école d’art dramatique initiant à toute la technique indispensable au métier de comédien.

La Méthode

La Méthode du Cours Jacques Ledran s’inspire du Système Stanislavski et de sa déclinaison faite par Lee Strasberg à l’Actors Studio.

Cette méthode universelle est considérée comme la meilleure formation des plus grands acteurs de théâtre et de cinéma.

Cette technique d’apprentissage se résume par l’impulsion, ce que l’on nomme l’action physique :  « Il ne s’agit pas de jouer bien, mais de jouer juste et de toucher ce qui est vrai ».

En plus de cette technique, Jacques Ledran s’inspire également de sa formation auprès de Jean-Laurent Cochet et de sa méthode très française qui consiste à privilégier l’esprit : 

« L’esprit passe avant tout et si la compréhension est bonne le corps suivra…».

Durant son parcours professionnel, Jacques Ledran a travaillé durant une année avec le metteur en scène Emile Salimov et une méthode russe axée sur l’exigence corporelle. De cette collaboration, Jacques Ledran ajoute à son enseignement l’aisance corporelle et privilégie depuis autant l’esprit que la rigueur du corps et de l’espace.  

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Compagnie du Vieux Singe

Créée en 2010, à l’initiative d’Ophélie Kern (metteuse en scène et auteure) et de Jérôme Quintard (comédien), la compagnie regroupe des artistes d’univers et de formations variés (comédiens, musiciens, chanteurs, metteurs en scènes, scénographes… ).

Les créations de la Compagnie développent des univers poétiques, enrichis par la rencontre de disciplines (théâtre, musique, poésie…), autour de grands textes classiques et contemporains. Un théâtre littéraire, exigeant, mais aussi ludique, populaire et surprenant, né du désir de partager avec les spectateurs un moment privilégié de poésie, de rêve et d’échanges.

Toute l’année, la compagnie du Vieux Singe propose des actions de formation et de sensibilisation.

L’échange avec de nouveaux publics, la rencontre de disciplines, les ateliers théâtre, les stages pour amateurs et pour professionnels et les interventions artistiques en milieu scolaire font partie intégrante de la vie artistique de la Compagnie.

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Centre des arts de la scène

ÉCOLE DE THÉÂTRE, CHANT, DANSE, CINÉMA…

Un centre de formations et de créations, riche de 30 ans d’expérience

Le Centre des Arts de la Scène est un établissement dédié à la formation et à la création artistique. Futurs professionnels, débutants, amateurs ou passionnés confirmés chacun peut trouver dans les modules de formation proposés une réponse à ses attentes. Vous trouverez : cours de théâtre, cours de chant, cours de danse, formation acteur, cours de mise en scène, cours d’improvisation, cours de cinéma… Le Centre des Arts de la Scène est un lieu ouvert à tous, dynamique et innovant. Un établissement à taille humaine, doté d’une pédagogie moderne qui permet à chacun (professionnel ou amateur) de donner vie à ses projets et d’affirmer sa personnalité artistique. Un lieu géré par des professionnels du spectacle qui s’investissent depuis plus de vingt ans dans la création et la formation artistique. Un établissement tourné vers une culture plurielle, sans frontière qui unit théâtre, chant, danse et arts émergeants.

Durant leur cursus, les élèves présentent des spectacles dans de nombreux théâtres, festivals ou salles de concerts. La richesse de ces partenariats permet aux étudiants d’être en liaison directe et constante avec le monde professionnel. Pour préserver un enseignement de qualité le nombre de participants par classe est limité. D’avril à septembre, nous organisons des stages de recrutement et des journées portes ouvertes pour vous permettre de découvrir notre structure et notre pédagogie. Plus qu’une école, le Centre des Arts de la Scène est un lieu de vie, d’échange, d’utopie et de création.

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Method acting center

Notre pédagogie, tout aussi bien adaptée aux débutants qu’aux acteurs professionnels, est basée sur les méthodes de Stanislavski et de l’Actors Studio. En ce qui concerne la partie Scénario & Réalisation, nous travaillons d’après les recherches de Robert McKee (a.k.a Le « Gourou d’Hollywood » qui a coaché de nombreux scénaristes de films marquants et de séries prestigieuses), Syd Field, Paul Schraeder, John Cassavetes, le « Nouvel Hollywood », la « Nouvelle Vague » (et bien d’autres).

Si nous attachons la plus grande importance à proposer des formations solides pour le Cinéma et le Théâtre, nous attachons la même importance à la façon d’aborder ces méthodes. Certes avec sérieux, mais dans une ambiance décontractée, chaleureuse et décomplexante, permettant de donner libre cours à votre potentiel créateur : Toujours avec du jeu dans le jeu !

Au delà des poses superficielles, académiques et parfois sur-médiatiques de cet Art, Method Acting Center, dirigé par Adeline Bonacchi et David Barrouk, propose ici un lieu de créations artistiques, d’enrichissement personnel, d’échanges professionnels et de rencontres humaines.

En effet, bien qu’il s’agisse ici tout d’abord d’être formé, il s’agit de l’être dans une dynamique artistique libératrice, vive et vibrante, directement liée à la construction de votre réseau professionnel, à la mise en route tangible de votre carrière, ainsi qu’à une compréhension profonde du marché et des nombreux changements qui s’offrent à vous aujourd’hui !

Que vous soyez Acteur, Scénariste et/ou Réalisateur, notre but ne s’arrête pas simplement à vous former, mais aussi à vous armer d’une méthode, d’une détermination et d’une réelle connaissance du monde professionnel pour que vous puissiez travailler dans le métier qui vous passionne et ainsi faire jaillir toute la puissance de votre potentiel et de votre talent.

La 1ère année Acting se compose au minimum du programme de base de la méthode avec : Exploration 1, Scènes 1 et Backstory. Soit 9h de cours par semaine, de Septembre à Juin. La première semaine de cours est une semaine d’intégration.

a 2ème année Acting se poursuit avec le programme de base de 3 cours : Exploration 2, Scènes 1 & 2 et Scènes 3.
Soit 9h de cours par semaine, de Septembre à Juin. La première semaine de cours est une semaine intensive Acting 2ème année.

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Les Déchargeurs- Nouvelle scène théâtrale et musicale

Depuis sa création, Les Déchargeurs ont accompagné les premiers pas, entre autres, de Vincent Delerm, Emily Loizeau, les Têtes Raides, Diastème, Alex Beaupain, Christophe Honoré, Jean-François Mariotti, Nicolas Lambert, Frédéric Jessua, Pauline Baye… D’autres y ont confirmé leur talent – Arthur H, Marc Perrone, Olivier Py, Alain Françon, Gilles David, Sylvain Maurice, Alain Macé, Michaël Lonsdale, Marion Gonzales, Serge Merlin, Grégori Baquet, Fabrice Luchini… Et des auteurs tels que Pedro Almodovar, Howard Barker, Alan Bennett, David Drake, Carole Fréchette, Jean-Luc Lagarce, Michel Houellebecq, Israël Horovitz, Jean-Pierre Siméon, Pierre Notte… y ont été représentés.

Le changement de direction

Depuis le 14 mars 2020, Les Déchargeurs a baissé son rideau. Cette année, la crise sanitaire s’est doublée d’une autre tempête aux Déchargeurs : la mise en vente du lieu. C’était sans compter sur la venue du printemps et celle d’Adrien Grassard, jeune auteur de 24 ans, qui a repris la direction depuis le 13 février.

Au programme: retrouver le vivant, et le partager.

En invitant à la fois des artistes de notoriété bien établie et de jeunes artistes, chaque saison témoigne de la richesse de toutes les formes théâtrales et musicales, avec une attention particulière portée à la jeunesse. Ouvrir aux plus jeunes des passerelles vers l’art et la culture, c’est les aider à connaître et comprendre, inventer et grandir. En construisant la programmation, Rémi Prin et Adrien Grassard ont eu à cœur de faire dialoguer contemporain et répertoire, de susciter le débat, de donner des clés de compréhension de notre histoire et d’appréhender les sociétés de demain. Vous pourrez découvrir ici une programmation variée qui se propose d’offrir une photographie fidèle de la création actuelle, en privilégiant au maximum les représentations en série afin d’assurer la présence permanente des artistes sur le territoire.

Équité et transparence

Les Déchargeurs, c’est avant tout l’envie de proposer des conditions plus justes aux compagnies que nous accueillons. Proposer un véritable contrat de coréalisation, pour que jouer dans un lieu ne soit plus un simple accueil, mais devienne un partenariat sain, accessible, et durable.

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L’École du jeu

Un lieu sain, exigeant, structuré et structurant. Une réflexion pédagogique approfondie sur les notions de transversalité et d’éthique. 

La vocation de cette Maison, de ce Port d’attache qu’est l’école du jeu, est de proposer à ceux qui en franchissent la porte, un lieu de transmission sain, clair et pensé. Un lieu qui respecte et considère la posture d’abandon et de curiosité dans laquelle l’élève, le stagiaire, l’artiste se placent. Un lieu qui défend une relation maitrisée à l’exigence, au dépassement de ses limites, à la transcendance qu’implique cet Art du jeu de l’acteur.

Créer cette Ecole du Jeu, c’est créer une structure dans laquelle, celui qui le désire, amorcera ce mouvement de confiance et de dignité. Il deviendra Passeur de théâtre et d’exigence, passeur de Joie, passeur d’humanité. Et son tour viendra de transmettre cette humanité au plus grand nombre ; aux plus proches comme aux plus lointains.

Le théâtre s’adresse à la bonne volonté des hommes et à ce qu’il y a de plus profond en eux. C’est en cela qu’il peut être un outil judicieux pour agir sur le monde, en commençant par soi-même. Le jeu de l’incarnation a cela d’extraordinaire qu’il permet à chacun d’atteindre une compréhension profonde de ce qu’est « la liberté d’être parmi les autres ». Cette compréhension, à son tour, crée une joie essentielle. Ce sentiment crée un ordre – une harmonie – dans notre état de conscience et renforce la structure de soi.

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Cours Candela

Cours de théâtre professionnel qualifiant et diversifié

Le cours Candela propose une formation d’acteur avec un contenu adapté. L’apprentissage se déroule sur une période de deux ans.

Les deux années se déroulent différemment, nous proposons un enseignement complet lors de la première année permettant l’acquisition des bases techniques et artistiques grâce au travail sur le texte, les cours d’improvisation, le placement du corps et de la voix… Nous exerçons nos élèves sur un répertoire théâtral varié, classique, contemporain, de comédie et de tragédie, grec et moderne.

La deuxième année sert d’approfondissement et de perfectionnement des bases. De nouvelles techniques sont enseignées, celle du jeu face caméra, de mise en scène, de travail sur le personnage. Un module de préparation aux concours est également proposé, ainsi qu’une formation d’insertion professionnelle.

Nous proposons également des modules supplémentaires tels que la préparation aux castings, la gestion de carrière, les stages de clown, de chant et de danse.

L’intensité pédagogique augmente, entre la première et la deuxième année, au profit d’un perfectionnement rapide des techniques d’acteur. Les intervenants se concertent et assurent un suivi pédagogique personnalisé sur ces deux années.

Des cours adaptés

Distrayant et profitable les cours de théâtre amateur s’adressent à tous : aux débutants, timides, ainsi qu’aux plus exercés. Apprendre les nuances d’interprétations, développer la composition et vivre les émotions des personnages. Exprimez votre talent, éveillez ou développez vos qualités artistiques.

Rejoindre les cours de théâtre amateur pour profiter de la passion et la compétence de nos différents metteurs en scène professionnels. Ils accompagnent avec bienveillance durant la saison et font découvrir les bienfaits du théâtre sur la confiance et l’affirmation de soi. Évoluer tout en s’amusant, c’est le pari des Cours Candela !

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Studio Muller

Le Studio Muller a pour but de former des acteurs professionnels de théâtre et de cinéma qui comprennent et maitrisent leur instrument à tous les niveaux. Notre approche de l’art dramatique et du travail du comédien se situe à la croisée des différentes méthodes et techniques de jeu, et cela autant pour le théâtre que pour le cinéma.

Votre instrument en tant qu’acteur, c’est vous-même : votre corps,  votre voix, vos paroles, vos émotions, votre imagination, vos pensées… Nous avons pour objectif de faire de vous des acteurs de théâtre et de cinéma qui comprennent et maîtrisent leur instrument à tous les niveaux, et cela par la pratique de matières artistiques variées et complémentaires : jeu face caméra, mime, clown, chant, danse, masque commedia dell arte, improvisation, technique Meisner, mémoire sensorielle et émotionnelle, acting in english…

Le Studio Muller n’appartient à aucune tradition théâtrale en particulier, et n’adhère à aucune approche, méthode ou système de jeu de manière spécifique ou dogmatique. Passionnés par la technique de l’acteur, notre approche du jeu se situe au contraire à la croisée des différentes méthodes, formes et esthétiques théâtrales.

La technique est au cœur du processus de jeu chez l’acteur. C’est elle qui doit vous intéresser car en tant qu’artiste vous êtes d’abord un artisan, un technicien. Dans sa pratique, le vrai professionnel n’a que faire de notions aussi vagues, floues et abstraites que : « Rentrer dans la peau du personnage », « Sentir en soi le rapport à l’autre » ou encore « Faire circuler l’énergie du plateau à la salle ». La terminologie pseudo magique n’a rien à faire dans une formation professionnelle d’acteurs sérieuse. Notre cours d’art dramatique articule donc son travail autour de quatre mots : concret, simple, efficace et individualisé.

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Cours Cochet Delavène

Historique

En 1966, Laurent Cochet ouvre un cours d’Art Dramatique : le Cours Cochet. Dès les premières promotions sortent des comédiens qui deviendront rapidement les vedettes du théâtre et du cinéma. Gérard Depardieu, Richard Berry, Isabelle Huppert, Daniel Auteuil, Carole Bouquet, Fabrice Luchini…

En 2003, Jean-Laurent Cochet nomme Pierre Delavène professeur puis il lui confie la Direction du Cours en 2006.

De nouvelles classes sont créées (matin, soir, samedi, régions, etc.) avec des professeurs formés par Jean-Laurent Cochet.
Ensemble, en 2013, ils renomment l’école de théâtre qui s’appelle désormais le Cours Cochet-Delavène.


Technique et sensibilité

La sensibilité étant liée à la technique, ainsi que dans tout autre discipline artistique, le Cours Cochet-Delavène est le seul cours d’art dramatique initiant à toute la technique indispensable au métier de comédien : note ouverte, préfinale, mouvement, réaccentuation, phrasé, inflexion.


Les fables de La Fontaine

L’enseignement du Cours Cochet-Delavène est basé sur l’apprentissage des fables et de la façon de les dire. Les fables étant enseignées depuis l’école primaire et de façon trop scolaire, Jean-Laurent Cochet a réinventé la manière de les dire. Notre travail sur les fables permet de cerner une situation et un sentiment donnés, d’appréhender la technique textuelle, la manière de raconter une histoire, de déjouer, etc… qui servira pour aborder n’importe quel texte.


La scolarité

● 1ère année : Travail des fables, et du répertoire classique (prose et vers). Technique textuelle. Corporel.
● 2ème année : Scènes classiques et modernes. Classes d’ensemble. Scènes de cinéma. Parcours de rôle.
● 3ème année : Théâtre contemporain. Formation à la mise en scène. Préparation aux concours et casting.
Les spectacles :
● Soirée affable : Le cours organise une ou plusieurs soirées thématiques.
● Scène publique : En fin d’année, une sélection d’élèves est présentée devant des professionnels.
● Mise en scène : les élèves de 3ème année présentent un extrait de pièce qu’ils ont mis en scène.
● Tremplin : une sélection de spectacles participe à un Tremplin Jeunes Talents.